Autore: Maria Concetta Loria

Il 18 dicembre si è conclusa la 45° edizione dei Premi Ubu. Come ogni anno, in diretta streaming in staffetta con quella di Radio Tre, è arrivato l’annuncio con i nomi dei vincitori per la stagione 2022/2023 del Premio che Franco Quadri ideò nel 1977. Nell’elenco, anche l’attore, drammaturgo e regista calabrese Saverio La Ruina.
Ancora una volta La Ruina porta a casa il più prestigioso e importante riconoscimento del teatro in Italia. Lo aveva già fatto nel 2007 con Dissonorata (Miglior attore italiano e Miglior testo italiano), nel 2009 (Premio speciale per Primavera dei Teatri), nel 2010 con La Borto (Miglior testo italiano), nel 2012 con Italianesi (Miglior Attore italiano). In quest’ultima edizione vince con Via del Popolo come Miglior testo italiano o scrittura drammaturgica messa in scena da compagnie e artisti italiani.

La Ruina, l’Ubu e “l’Oscar dei poveri”…

Saverio La Ruina è un vincitore seriale di premi Ubu, un irriducibile artigiano del teatro che non si lascia inglobare, assorbire e omologare nella cultura liquida della contemporaneità. Rimane fedele al teatro, arte lontana dalle logiche dell’evento che la società dei consumi impone trasformando la cultura in una merce destinata esclusivamente all’industria del divertimento.
Con Via del Popolo, un testo drammaturgico di straordinaria semplicità, dimostra che la cultura è qualcosa di profondamente radicato nella memoria individuale come valore della storia collettiva, capace di definire percorsi di crescita, o di decrescita, spingendoci ad inevitabili riflessioni di natura sociale, culturale e anche politica.

Ma partiamo con ordine: quando parliamo di Premio Ubu c’è sempre la necessità, quasi a giustificarlo nel tentativo di attribuirgli autorevolezza e prestigio, di spiegarne il valore. E l’unico modo per farlo è l’inevitabile comparazione con gli Oscar o i David di Donatello. Già solo questo basta a raccontare il valore che nella nostra cultura assume il teatro, qualcosa che resiste ed esiste solo per una fetta di pubblico che spesso finisce per identificarsi con gli stessi addetti del settore. Un’isola sperduta, raggiungibile per strade poco percorribili e scomode. Allora il teatro diventa anche un fatto politico perché ci dice che le istituzioni, in barba ai dettami costituzionali, poco si occupano di valorizzare, diffondere e sostenere un’arte antichissima e strettamente connessa con le manifestazioni dello stesso spirito umano.

Nemo propheta in patria

Via del Popolo è un racconto autobiografico. Parla della realtà di una strada nel centro di Castrovillari, di quando era piena di negozi, di gente, ricca di relazioni umane in uno spirito del luogo ormai passato. Quanto tempo occorre per percorrere duecento metri di strada? La risposta è negli anni di chi la percorre, perché il tempo non ha lo stesso valore per tutti: c’è chi lo vive assaporandolo e chi lo consuma fagocitandolo, perché le catene della grande distribuzione hanno cancellato i rapporti tra le persone.

Via del Popolo parla la lingua del posto, uno tra i tanti dialetti calabresi che come tutti gli altri difficilmente è riuscito a varcare i confini regionali per diventare lingua di scena, relegato al ruolo di vernacolo per un teatro amatoriale, quasi una lingua da nascondere o da sbeffeggiare.
La Ruina, che riesce a rendere comprensibile e universale anche quei modi di dire decifrabili solo per chi vive lo spirito dei luoghi, porta il suo dialetto e i tipi fissi della nostra realtà del Sud nei più importanti teatri della penisola. Non importa che sia a Messina, a Roma, a Trento o a Milano perché La Ruina trova consenso, applausi e successo ovunque, ma non in Calabria. Qui non c’è spazio.

Meglio Muccino per la Calabria?

A questo punto dovremmo chiederci perché l’immagine della nostra regione passa attraverso la promozione di quelle piste di ghiaccio davanti la stazione di Milano, negli spot con gli asini, le tovaglie a scacchi, i verbi coniugati male, i capodanni da milioni di euro. Tutto intriso da terribili luoghi comuni, come se i calabresi fossero solo mare, sole, nduja e soppressata. Invece non si valorizza mai il patrimonio culturale contemporaneo, costruito faticosamente da uomini e da donne lasciati soli da una politica troppo impegnata nella lotta quotidiana per i consensi elettorali.

La Calabria trascura il passato e del presente culturale preferisce non occuparsi. Non si investe in progettazione culturale, in distribuzione. Se non fosse per le iniziative dei privati, a livello istituzionale, non potremmo che assistere a traslochi di spettacoli televisivi di dubbio gusto negli spazi pubblici delle nostre città.
Abbiamo comunque una speranza perché esiste un movimento che potremmo definire di resistenza. Si tratta di tante piccole compagnie teatrali di elevato spessore professionale che ogni giorno combattono per preservare la cultura del teatro in un luogo politicamente ostile.

L’Ubu a La Ruina e il teatro in Calabria

Di questo si occupa anche Scena Verticale, la compagnia teatrale fondata nel 1992 da Saverio La Ruina e Dario De Luca, ai quali si unirà successivamente anche Settimio Pisano. Grazie a Primavera dei Teatri, il festival sui nuovi linguaggi della scena teatrale, riescono a trasformare ogni anno Castrovillari nel più importante avamposto del teatro in Calabria e in un punto di riferimento internazionale della scena contemporanea.
Riescono in un’impresa grandiosa, una realtà che non riesce a costruire neanche il mondo accademico nonostante un corso di laurea in Discipline della Musica e dello Spettacolo, troppo chiuso in se stesso, autoreferenziale e incapace di creare sinergie con le compagnie teatrali del territorio calabrese.

Il Premio Ubu a Saverio La Ruina è un premio che torna in una Calabria che ignora questo settore culturale. E allora è come se il brutto, panciuto e grottesco Ubu percorresse, in lungo e largo, le strade vuote di una via del popolo che attraversa tutta una regione abitata da istituzioni che, alla cultura, preferiscono l’educazione all’allineamento di quel pensiero unico che esclude ogni forma di partecipazione culturale e sociale.

Il tema del viaggio richiama da sempre alle avventure di Ulisse lungo il ritorno verso Itaca. Poi, grazie a James Joyce, abbiamo spostato l’attenzione dal poema di Omero al viaggio interiore dell’uomo moderno: non più eroe, ma antieroe raccontato nelle sue inquietudini e debolezze. Su tutto rimane il valore del mito, di storie che, pur in una nuova narrazione attualizzata, suscitano profonde riflessioni alla stregua dei testi classici.
Con i poeti della Beat Generation, poi, abbiamo imparato che il viaggio è una ricerca sfrenata di libertà nel più completo rifiuto delle convenzioni sociali. Jack Kerouac, nel romanzo On the Road del 1951, restituisce con la sua narrazione autobiografica l’immagine della gioventù ribelle americana. Lo stesso Lawrence Ferlinghetti – l’ultimo poeta beat, morto nel 2021 a 101 anni – è ricordato come l’Ulisse on the road, lui che trasformò il viaggio in una ricerca interiore di ciò che è umanamente eterno, in una poetica fatta di parole, incontri e paesaggi.

Da un Ulisse on the road all’altro

Ulisse on the road è anche il titolo della drammaturgia con cui Katia Colica porta in scena, oltre all’eroe omerico e il suo viaggio, anche Penelope, Circe e Poseidone. Impossibile non coglierne le influenze beat, così come le suggestioni di libertà nelle interpretazioni della compagnia Officine Joniche Arti, attualmente in tour nei teatri calabresi. I protagonisti sono Americo Melchionda, Kristina Mravcova, Maria Milasi – che oltre al ruolo di Circe ha curato la regia – e Andrea Puglisi.

La scena si apre durante una tempesta che coinvolge i protagonisti, tutti indistintamente. Ma le onde che si agitano mentre si sentono i rumori dei tuoni e si vedono i bagliori dei lampi, non colgono tutti in mezzo al mare. Ognuno è esattamente nel luogo in cui dovrebbe stare: il palazzo, la nave, l’isola, il trono. Una tempesta che più che investire i corpi, insomma, travolge stati d’animo. Le emozioni, così, diventano parole, monologhi o dialoghi illusori tra i personaggi.
Circe parla con Penelope, quest’ultima con Ulisse che, a sua volta, non può fare a meno di rivolgersi alla sua seduttrice. Tutto mentre il terribile Poseidone si rivolge a Circe, ma in realtà dialoga effettivamente solo con Penelope.
Tutti (o quasi) dialoghi che sono solo fenomeni della coscienza, flussi di pensieri che si alternano in un botta e risposta metafisico, parole spinte oltre la realtà in grado di raggiungere le dimensioni oniriche e surrealistiche tipiche della poetica di Katia Colica.

Tutta colpa di Poseidone

Il viaggio vede i personaggi fermi in ruoli definiti: un eroe valoroso che vuole tornare a casa dopo dieci anni in guerra a Troia; una moglie paziente che attende il ritorno del padre di suo figlio; una maga capace di rendere schiavi gli uomini, colpevoli di essere preda dei loro stessi istinti; un dio potente ostinato a smuovere le acque e la terra.
A determinare le vicende in Ulisse on the road è proprio il temperamento di questo dio vendicativo, violento e irascibile. Poseidone rappresenta l’Olimpo, il mare e l’oltretomba, ma anche il passato, il presente e il futuro.
È il bravo attore catanese Andrea Puglisi a prestare il volto al figlio di Crono. Lo fa attraverso un’interpretazione istrionica, in cui i comportamenti manipolatori e seduttivi che esercita (soprattutto verso Penelope) si mescolano a una certa ironia così da rendere il personaggio ancora più cinico agli occhi del pubblico.

Ulisse on the road: un viaggio alla ricerca di se stessi

Il Poseidone di Puglisi è un dio che parla, presenta il suo punto di vista, riportando alla contemporaneità tutti i personaggi nel loro rapporto con il mito.
In realtà si potrebbe vedere Poseidone come il vero protagonista della storia. È lui a scatenare la potenza del mare mentre è seduto sul suo trono o detta il ritmo semplicemente battendo il tempo su una tanica militare di metallo.
Il tridente in Ulisse on the road, con un chiaro rimando alla simbologia del pomo della discordia, ha ceduto il suo posto ad una mela che viene lentamente consumata, così come si consumano le vicende degli altri personaggi sulla scena.

Poseidone, figura mitologica di assoluta attualità, rappresenta i potenti, i dispotici, i prepotenti, tutti quelli che creano scintille pronte a scoppiare con le conseguenze inevitabili che conosciamo. L’atteggiamento di questo dio sopraffattore è determinante per lo sviluppo di una vicenda che si appropria dei destini altrui, spingendoli verso un viaggio fatto di insidie, ma capace di riportarli alla scoperta della loro stessa profondità.

Nel 1952 il giovane Andrea Camilleri, ventisettenne neodiplomato all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica, dove successivamente insegnerà regia, compra un libro di un autore calabrese a lui ancora sconosciuto. Ad attirare la sua attenzione fu il titolo Antonello capobrigante calabrese, dramma in cinque atti di Vincenzo Padula, scritto nel 1850. L’aneddoto è raccontato dallo stesso Camilleri nel docufilm La penna di Bruzio, una coproduzione dell’associazione Stato delle Persone, Fondazione Vincenzo Padula e dalla CineDue dei fratelli Aragona, distribuito da RAI Storia. Il film, nato nel 2016 da un’idea di Mattia Scaramuzzo, per la regia di Giulia Zanfino, ha visto la partecipazione, oltre che dello scrittore empedoclese, anche di Carlo Verdone e Riccardo Iacona.

Briganti, una mistificazione storica

Camilleri racconta di essere stato catturato dalla suggestione delle parole capobrigante e calabrese, questo a causa di una sua personale e radicata convinzione, relativa a una mistificazione storica, avvenuta subito dopo l’unità d’Italia, in merito al problema del brigantaggio. Un vecchio specchietto riassuntivo del Comando militare per la repressione di Capua, sempre secondo il racconto di Camilleri, riportava un consuntivo dei briganti uccisi e arrestati dal 1861 al 1863; si trattava di circa 3780 morti e oltre 4000 detenuti. Proprio intorno a questi numeri che nasce il dubbio attorno al quale Camilleri si chiede se tutti i meridionali erano diventati briganti o se si tacciava di brigantaggio la rivolta contadina di chi chiedeva nient’altro che pane e lavoro.

Una riflessione che ci spinge a parlare delle cause di fenomeni sociali violenti all’indomani di una unificazione nata su presupposti politici e amministrativi ideologicamente divisivi. Non bisogna dimenticare che il nuovo Regno d’Italia presentava un’enorme disparità tra Nord e Sud e per unificare veramente il Paese c’era bisogno di infrastrutture, di un esercito, di leggi, di alfabetizzazione, di riforme agrarie e industriali. C’era anche la necessità di adottare le stesse unità di misura, la stessa moneta e una lingua capace di parlare a tutti. La complessa questione meridionale, strettamente connessa al fenomeno del brigantaggio, trovò con l’attuazione della Legge Pica del 1863, la legittimazione della violenza repressiva di un fenomeno sociale determinato da povertà, diseguaglianza, ma anche da brutalità di contadini rozzi e ignoranti.

Vicenzo Padula: un intellettuale profondo

Proprio sulla causa dei problemi e sulle azioni repressive di un fenomeno di portata storica come il brigantaggio si concentra il pensiero dell’abate Vincenzo Padula di Acri che, attraverso le pagine del giornale Il Bruzio, richiama l’attenzione sulle complesse situazioni della Calabria e di tutto il meridione post unitario. Padula, lungimirante intellettuale, ma anche scrittore ironico, attento giornalista, è stato definito più volte un antropologo, ma lui non è stato solo un attento osservatore della cultura del suo tempo, quanto un sociologo, o meglio ancora possiamo definirlo un etnologo che ha saputo considerare fatti e circostanze nei loro processi di trasformazione.

Padula, nonostante l’isolamento culturale della Calabria, pur vivendo la realtà dell’entroterra, affronta i temi del suo tempo in una produzione letteraria in grado di concretizzarsi anche nella scrittura teatrale, cosa non usuale in una realtà senza nessuna tradizione drammaturgica. Antonello capobrigante calabrese è ambientato tra i monti della Sila, precisamente a Macchia Sacra. È lo stesso Padula a scrivere che i briganti agiscono nella foresta e, siccome in ogni paese d’Italia, dopo che i Borboni se ne sono andati, c’è gente che ruba e che uccide, nelle altre città, come in quelle del Piemonte, della Lombardia e della Toscana, azioni ancora più gravi di quelle che accadono in Calabria si concretizzano nelle case.

Una questione privata? Non proprio

Le vicende narrate nell’Antonello sono quelle di un gruppo di briganti nascosti nei boschi della Sila, impegnati nel preparare il rapimento del ricco galantuomo Brunetti e di suo figlio Luigino. La storia è quella della giovane Maria, moglie di Giuseppe, che dopo aver subito violenza da parte di Brunetti si ritrova ad assistere all’omicidio del figlio neonato, soffocato dallo stesso Brunetti. In preda alla disperazione Maria convince Giuseppe a farsi uccidere e a quel punto il giovane, decidendo di farsi brigante, è accolto dal capobrigante Antonello tra i boschi della Sila.

La narrazione di una storia in apparenza privata, si trasforma in una rivendicazione collettiva contro i soprusi di un potere destinato, davanti alla legge, a rimanere impunito. Il dramma non si limita a raccontare di una storia d’amore finita in tragedia, ma parla della condizione sociale in cui versava la Calabria, oppressa dal potere legato alle logiche del latifondo e che, inevitabilmente, si riflette nella tracotanza del ricco Brunetti. Emerge chiara la sfiducia verso la giustizia, quasi come se Padula volesse giustificare la rabbia di un gruppo di persone che, per la loro stessa natura di briganti, sono destinati a rimanere poveri. I giorni durante i quali si svolge l’azione sono quelli che passano tra la cattura dei fratelli Bandiera, avvenuta sul Colle della Stragola, nel territorio di San Giovanni in Fiore, la loro detenzione nel carcere di Cosenza e la fucilazione, insieme ad altri sette compagni, per volere di re Ferdinando II di Borbone, nel Vallone di Rovito il 25 luglio 1844. È lo stesso Antonello a far recapitare una lettera ad Attilio ed Emilio Bandiera, offrendo, senza successo, l’aiuto dei briganti per farli scappare dalla prigione.

Vincenzo Padula e Lord Byron

La figura di Antonello capobrigante riveste il ruolo di un eroe moderno, tormentato davanti alle ingiustizie del suo tempo, in questo non è difficile cogliere gli aspetti romantici di un byronismo presente nella letteratura di quegli anni. George Byron, tra il 1818 e il 1823 è in Italia per il suo personale Grand tour, è la sua poetica penetra anche nella letteratura calabrese. I punti di convergenza tra Padula e Byron sono proprio quelli che si riflettono nel personaggio del capobrigante Antonello: il sentimento di ribellione verso un contesto sociale guardato con disprezzo a causa di quei privilegi riservati a pochi, l’imperfezione stessa dell’eroe agitato da una passione distruttiva e non ultimo l’incapacità di portare avanti lotte collettive, quanto piuttosto animato da un individualismo tipico di ogni disperato che lotta solo per se stesso.
La fortuna di Antonello capobrigante è stata quella di aver varcato i confini regionali e di essere stato rappresentato in diverse riduzioni teatrali, televisive e in un adattamento radiofonico del 1960 di Ottavio Spadaro, nel quale Aroldo Tieri interpretava la parte del possidente Brunetti.

Matteo Garrone con il suo Io Capitano, dopo la Mostra Internazionale del Cinema di Venezia è arrivato anche a Cosenza per la decima edizione del Festival della Primavera del Cinema Italiano. Durante la proiezione della pellicola è giunta la notizia che il film avrebbe rappresentato l’Italia nella corsa agli Oscar. Magari, dopo il Nastro d’argento per la miglior regia, il Premio Mastroianni come miglior attore al giovane Seydou Sarr e il Green Drop Award, Garrone riuscirà a portare a casa la quindicesima statuetta del cinema italiano, assegnata l’ultima volta, nel 2014, a Paolo Sorrentino per La Grande Bellezza.

Il viaggio

Il tema, privo di quegli elementi di retorica paternalistica difficili da digerire, è quello dei migranti, il viaggio di milioni di persone verso la speranza di una vita nuova; verso quel sogno europeo che tanto ricorda il grande sogno americano inseguito da milioni di persone del vecchio continente. Come allora, spesso, il mare si trasforma in luogo di morte, oppure i sogni si infrangono davanti alle coste italiane, proprio quando, sembra di poter toccare Lampedusa solo stendendo il braccio, proprio come succedeva a Ellis Island, quando molte delle persone sbarcate venivano rimandate indietro.
Seydou e Moussa sono cugini, vogliono raggiungere l’Europa partendo dal Senegal. Non fuggono dalla guerra e neanche dalla fame, vogliono solo partire, magari per fare successo e chi lo sa, un giorno firmare «autografi ai bianchi». L’Europa, per chi scappa dalla povertà, a causa del trattato di Schengen, operativo dagli anni novanta, è diventato un posto difficile da raggiungere, ce lo ricordano i continui naufragi e quello di Cutro è una ferita ancora aperta.

L’odissea di Seydou

Garrone racconta il viaggio dal punto di vista di chi parte, di chi non è un numero, ma ha un nome, una famiglia, un villaggio, un’identità.
Per raccontare i drammi dei migranti dovrebbero essere usati più nomi, più storie personali e meno numeri, questi ultimi non definiscono mai individui, ed è proprio questo a fare la differenza tra ciò che consideriamo emergenza politica e quella che in realtà dovrebbe essere trattata sempre e solo come emergenza umanitaria.
Seydou, il protagonista, è un ragazzo di sedici anni, uno come tanti che sogna la libertà di poter viaggiare; Garrone ha costruito il suo personaggio raccogliendo più storie, racconti di viaggi atroci in cui, ogni essere umano, diventa solo merce di scambio monetario e corpi sui quali accanirsi.

Seydou è un ragazzo ingenuo che, nel corso del viaggio, diventerà un uomo capace di conservare il suo lato umano nonostante la bestialità e la crudeltà degli altri uomini. Anche questo significa salvarsi, indipendentemente dal riuscire a raggiungere le coste europee. Il film di Garrone è un racconto a lieto fine, per questo ricorda la struttura della favola. Fiaba per la sua modalità di racconto in cui compaiono figure antropomorfe che accompagnano voli onirici per un ritorno alle proprie radici, al mito che ha sempre a che fare con quella lotta fra la vita e la morte, agli archetipi della propria cultura, inseparabili dal proprio inconscio.

Quasi un racconto-apologo che nelle sue allegorie persegue il fine pedagogico, quello di insegnare che il mondo è un posto pericoloso anche quando la comunicazione digitale racconta altro, una mistificazione che può trasformarsi in una trappola mortale. Lo stregone del villaggio e gli spiriti da interrogare prima di partire, fanno parte di quel mondo legato a una ritualità e ad un folklore di un universo non ancora contaminato totalmente dalle strutture del capitalismo, ma che, inevitabilmente, di questo subisce le conseguenze a causa di una marginalizzazione dovuta spesso ad uno sfruttamento economico indiscriminato.

Chagall nel deserto

La dimensione onirica di alcune scene sottolinea il rapporto con la fiaba, con il mondo sovrannaturale e con la sfera delle emozioni. Nel deserto, accanto ai tanti corpi senza vita, Seydou sogna di prendere per mano una donna ormai in fin di vita, stremata dalla fatica e di farla volare, sostituendo così la gioia e l’amore ad una forza di gravità che attira i corpi verso una terra che troppe volte si rivela matrigna. Un’immagine che ricorda La passeggiata di Marc Chagall, il dipinto in cui due personaggi si tengono per mano, mentre la donna è libera di volare, in un contesto felice e luminoso.

Di certo a Garrone non è sconosciuta la poetica del Fauvismo, il movimento pittorico nato in Francia agli inizi del ‘900, che esprimeva la sua poetica attraverso forme semplici e colori puri e vividi. Scene come pennellate pittoriche, colori che esprimono la forza dei corpi e delle emozioni e sogni che si aprono verso un mondo libero e immaginifico.

Il film girato in lingua wolof, parlata in Senegal, diventa un linguaggio universale, perché l’umanità per essere raccontata non ha bisogno di traduzioni. La scelta di Garrone, di sottotitolare e di non doppiare, si rivela vincente per raccontare il punto di vista di una cultura che, solitamente, è interpretata secondo riferimenti culturali occidentali, disperdendo così l’essenza di una realtà che andrebbe raccontata con i propri codici linguistici e identitari.

Una pellicola politica

Garrone, nelle varie interviste e nel suo intervento al cinema Citrigno, afferma che Io Capitano non è un film politico, ma solo un racconto, una storia che lui ha voluto narrare. Dal mio punto di vista, invece, il film è politico nella misura in cui tratta un tema complesso a cui la politica internazionale non riesce a dare risposte dignitose. Il suo essere politico è nella percezione che ne deriva dello stesso fenomeno, nella sua capacità di far scaturire un’ideologia in grado di parlare e determinarsi.

Per Hegel il motivo dell’arte è la coscienza dei bisogni, se questo è vero, e il film di Garrone può essere considerato sicuramente arte, le urgenze individuate nel suo racconto non possono che essere inserite in una dimensione storica che, collegata inevitabilmente alla storia del passato, cerca, per non rimanere nell’astrattezza, di risolvere ciò che per il momento rimane ancora irrisolto, investendo per questo sempre la sfera della percezione. Oltretutto è lo stesso Garrone a parlare di opera epica e questa è da intendere sempre come portatrice di necessità fortemente politiche. Alla base di un’opera epica c’è sempre un conflitto politico che, indubbiamente, si riversa anche in un tormento e in un processo di crescita interiore, ma che attraverso dei racconti di piccoli e grandi eroi, prendono corpo le avventure dei tanti Seydou, Moussa e di quanti attraversano il tempo della metastoria.